Review by Steve Leggett Recorded in 1956, Art Blakey's Drum Suite is a wonderful hybrid of African, Latin, and hard bop rhythms that prefigures the concept of Afro-beat by at least a decade, and the sheer energy, not to mention its very special and fresh-sounding intimacy, make it especially astounding. Even more amazing is that the three parts of the suite -- Blakey's "The Sacrifice," Ray Bryant's "Cubano Chant," and Oscar Pettiford's "Oscalypso" -- were recorded straight through live, and were only intended to be a pre-take run-through, but as is obvious here, Blakey and company nailed the whole thing right out of the box. The original LP was issued by Columbia with the drum suite on one side, and three tracks recorded by a 1956 version of the Jazz Messengers (Bill Hardman, Jackie McLean, Sam Dockery, and Spanky DeBrest) for Blakey's first Columbia album, Hard Bop, on the other side. Groundbreaking for its time, and still sounding vital, powerful, and visionary, the Drum Suite album is somewhat of a lost masterpiece that deserves a fresh audience. https://www.allmusic.com/album/drum-suite-mw0000414522
///////
Reseña de Steve Leggett Grabada en 1956, la Drum Suite de Art Blakey es un maravilloso híbrido de ritmos africanos, latinos y hard bop que prefigura el concepto de afro-beat por lo menos una década, y la pura energía, por no hablar de su intimidad tan especial y fresca, la hacen especialmente asombrosa. Más sorprendente aún es que las tres partes de la suite - "The Sacrifice" de Blakey, "Cubano Chant" de Ray Bryant y "Oscalypso" de Oscar Pettiford- se grabaron directamente en directo, y sólo pretendían ser un ensayo previo, pero como es obvio aquí, Blakey y compañía lo clavaron todo nada más sacarlo de la caja. El LP original fue emitido por Columbia con la suite de batería en una cara, y tres temas grabados por una versión de 1956 de los Jazz Messengers (Bill Hardman, Jackie McLean, Sam Dockery y Spanky DeBrest) para el primer álbum de Columbia de Blakey, Hard Bop, en la otra cara. Innovador para su época, y todavía con un sonido vital, potente y visionario, el álbum Drum Suite es una especie de obra maestra perdida que merece un nuevo público. https://www.allmusic.com/album/drum-suite-mw0000414522
John Coltrane Quartet: Ballads John Coltrane (tenor sax), McCoy Tyner (piano), Jimmy Garrison & Reggie Workman (bass), Elvin Jones (drums)
Sonny Rollins: On Impulse! Sonny Rollins (tenor sax), Ray Bryant (piano), Walter Booker (bass), Mickey Roker (drums)
Roy Haynes Quartet: Out of the afternoon Roy Haynes (drums), Roland Kirk (tenor sax, flute), Tommy Flanagan (piano), Henry Grimes (bass)
Oliver Nelson: The Blues and the Abstract Truth Oliver Nelson (alto sax & tenor sax), Eric Dolphy (alto sax & flute), Freddie Hubbard (trumpet), George Barrow (baritone sax), Bill Evans (piano), Paul Chambers (bass), Roy Haynes (drums)
Count Basie: Count Basie and the Kansas City 7 Count Basie (piano, organ), Thad Jones (trumpet), Frank Wess (flute), Frank Foster (tenor sax, flute), Eric Dixon (tenor sax, flute), Freddie Green (guitar), Ed Jones (bass), Sonny Payne (drums)
John Coltrane and Johnny Hartman: John Coltrane and Johnny Hartman John Coltrane (tenor sax), McCoy Tyner (piano), Jimmy Garrison (bass), Elvin Jones (drums), Johnny Hartman (vocals)
Although he could always play bop, Ray Bryant's playing combined
together older elements (including blues, boogie-woogie, gospel, and
even stride) into a distinctive, soulful, and swinging style; no one
played "After Hours" quite like him. The younger brother of bassist
Tommy Bryant and the uncle of Kevin and Robin Eubanks (his sister is
their mother), Bryant started his career playing with Tiny Grimes in the
late '40s. He became the house pianist at The Blue Note in Philadelphia
in 1953, where he backed classic jazz greats (including Charlie Parker,
Miles Davis, and Lester Young) and made important contacts. He
accompanied Carmen McRae (1956-1957), recorded with Coleman Hawkins and
Roy Eldridge at the 1957 Newport Jazz Festival (taking a brilliant solo
on an exciting version of "I Can't Believe That You're in Love with
Me"), and played with Jo Jones' trio (1958). Bryant settled in New York
in 1959; played with Sonny Rollins, Charlie Shavers, and Curtis Fuller;
and soon had his own trio. He had a few funky commercial hits (including
"Little Susie" and "Cubano Chant") that kept him working for decades.
Bryant recorded often throughout his career (most notably for Epic,
Prestige, Columbia, Sue, Cadet, Atlantic, Pablo, and Emarcy), and even
his dates on electric piano in the '70s are generally rewarding.
However, Bryant was heard at his best when playing the blues on
unaccompanied acoustic piano. After a lengthy illness, Ray Bryant died
in Queens, New York on June 2, 2011; he was 79 years old.
///////
Biografía del artista por Scott Yanow
Aunque siempre pudo tocar bop, Ray Bryant combinó elementos antiguos
(incluyendo blues, boogie-woogie, gospel, e incluso stride) en un estilo
distintivo, conmovedor y de swing; nadie tocó "After Hours" como él.
Hermano menor del bajista Tommy Bryant y tío de Kevin y Robin Eubanks
(su hermana es su madre), Bryant comenzó su carrera tocando con Tiny
Grimes a finales de los años 40. En 1953 se convirtió en el pianista de
casa de The Blue Note en Filadelfia, donde apoyó a los grandes del jazz
clásico (incluyendo a Charlie Parker, Miles Davis y Lester Young) e hizo
importantes contactos. Acompañó a Carmen McRae (1956-1957), grabó con
Coleman Hawkins y Roy Eldridge en el Festival de Jazz de Newport en 1957
(haciendo un brillante solo en una emocionante versión de "I Can't
Believe That You're in Love with Me"), y tocó con el trío de Jo Jones
(1958). Bryant se estableció en Nueva York en 1959; tocó con Sonny
Rollins, Charlie Shavers y Curtis Fuller; y pronto tuvo su propio trío.
Tuvo algunos éxitos comerciales funky (incluyendo "Little Susie" y
"Cubano Chant") que lo mantuvieron trabajando por décadas. Bryant grabó a
menudo a lo largo de su carrera (sobre todo para Epic, Prestige,
Columbia, Sue, Cadet, Atlantic, Pablo, y Emarcy), e incluso sus citas
con el piano eléctrico en los años 70 son generalmente gratificantes.
Sin embargo, Bryant fue escuchado en su mejor momento cuando tocaba el
blues en un piano acústico sin acompañamiento. Después de una larga
enfermedad, Ray Bryant falleció en Queens, Nueva York, el 2 de junio de
2011; tenía 79 años.
Pianist Ray Bryant's debut for Columbia was named after "Little Susie," a hit single he had a short time earlier recorded for Signature. The trio LP with bassist Tommy Bryant and either Gus Johnson or Eddie Locke on drums (reissued by Columbia Special Products in the early 1970's) has a remake of "Little Susie," a few other originals that did not catch on as hits and Bryant's interpretations of such songs as "By Myself," "Willow Weep For Me" and Cole Porter's "So In Love."
by Scott Yanow - Allmusic
///////
Reseña
El debut del pianista Ray Bryant para Columbia se llamó así por "Little Susie", un exitoso sencillo que había grabado poco antes para Signature. El LP del trío con el bajista Tommy Bryant y Gus Johnson o Eddie Locke a la batería (reeditado por Columbia Special Products a principios de los 70) tiene un remake de "Little Susie", algunos otros originales que no se convirtieron en éxitos y las interpretaciones de Bryant de canciones como "By Myself", "Willow Weep For Me" y "So In Love" de Cole Porter.
Ray Bryant's first solo piano album is rightfully considered a classic. Bryant, at the time thought of as a young modern traditionalist, has always felt perfectly at home playing the blues. He performs five original and diverse blues on this set along with "Lover Man" and "Rockin' Chair," showing that he really never needed a bassist or a drummer to sound like a complete band. This Prestige album was reissued in the Original Jazz Classics but thus far only as an LP; highly recommended in any case.
by Scott Yanow
///////
Reseña:
El primer álbum de piano solista de Ray Bryant es considerado un clásico. Bryant, considerado en su momento como un joven tradicionalista moderno, siempre se ha sentido perfectamente en casa tocando el blues. Interpreta cinco blues originales y diversos en este set junto con "Lover Man" y "Rockin' Chair", demostrando que realmente nunca necesitó un bajista o un baterista para sonar como una banda completa. Este álbum Prestige fue reeditado en los Original Jazz Classics pero hasta ahora sólo como un LP; muy recomendado en cualquier caso.
Though he studied at Xavier University and played in many New Orleans
bands, Aaron Bell was no traditionalist. He was rather one of the best
bassists ever in the Duke Ellington band; his powerful lines and
graceful, yet sturdy support provided a rich presence in the rhythm
section alongside drummer Sam Woodyard and the Duke on piano. Bell was
in the Navy from 1942 to 1946, then worked with Andy Kirk in 1947. He
returned to his native Oklahoma and taught music before resuming his own
education at New York University. Bell recorded and worked with Lucky
Millinder, Teddy Wilson and Lester Young in the '50s, while leading his
own trio. They recorded in 1955 and 1958. Bell backed vocalists, and
played with combos and in the Broadway show "Compulsion" before joining
Ellington in 1960. He remained until 1962, then did sessions and worked
in theater. He became resident composer at La Mama, an experimental New
Jersey theater, in 1972. Bell also taught music in Newark and earned his
masters at Columbia in 1975. He continued to teach until retiring in
the early-'90s; he passed away at a Bronx, NY hospital on July 28, 2003
at the age of 82. Aaron Bell can be heard on various sessions from,
among others, Duke Ellington, Stan Kenton, Johnny Hodges, and Billy
Holiday.
///////
Biografía
Aunque estudió en la Universidad de Xavier y tocó en muchas bandas de
Nueva Orleans, Aaron Bell no era tradicionalista. Fue uno de los mejores
bajistas de la banda de Duke Ellington; sus líneas poderosas y su apoyo
elegante y robusto proporcionaron una rica presencia en la sección
rítmica junto con el baterista Sam Woodyard y el Duke al piano. Bell
estuvo en la Marina de 1942 a 1946, luego trabajó con Andy Kirk en 1947.
Regresó a su Oklahoma natal y enseñó música antes de reanudar su propia
educación en la Universidad de Nueva York. Bell grabó y trabajó con
Lucky Millinder, Teddy Wilson y Lester Young en los años 50, mientras
dirigía su propio trío. Grabaron en 1955 y 1958. Bell apoyó a
vocalistas, y tocó con combos y en el espectáculo de Broadway
"Compulsion" antes de unirse a Ellington en 1960. Permaneció hasta 1962,
luego hizo sesiones y trabajó en teatro. Se convirtió en compositor
residente de La Mama, un teatro experimental de Nueva Jersey, en 1972.
Bell también enseñó música en Newark y obtuvo su maestría en Columbia en
1975. Continuó enseñando hasta retirarse a principios de los 90;
falleció en un hospital del Bronx, Nueva York, el 28 de julio de 2003, a
la edad de 82 años. Aaron Bell puede ser escuchado en varias sesiones
de, entre otros, Duke Ellington, Stan Kenton, Johnny Hodges y Billy
Holiday.
Though he studied at Xavier University and played in many New Orleans bands, Aaron Bell was no traditionalist. He was rather one of the best bassists ever in the Duke Ellington band; his powerful lines and graceful, yet sturdy support provided a rich presence in the rhythm section alongside drummer Sam Woodyard and the Duke on piano. Bell was in the Navy from 1942 to 1946, then worked with Andy Kirk in 1947. He returned to his native Oklahoma and taught music before resuming his own education at New York University. Bell recorded and worked with Lucky Millinder, Teddy Wilson and Lester Young in the '50s, while leading his own trio. They recorded in 1955 and 1958. Bell backed vocalists, and played with combos and in the Broadway show "Compulsion" before joining Ellington in 1960. He remained until 1962, then did sessions and worked in theater. He became resident composer at La Mama, an experimental New Jersey theater, in 1972. Bell also taught music in Newark and earned his masters at Columbia in 1975. He continued to teach until retiring in the early-'90s; he passed away at a Bronx, NY hospital on July 28, 2003 at the age of 82. Aaron Bell can be heard on various sessions from, among others, Duke Ellington, Stan Kenton, Johnny Hodges, and Billy Holiday.
///////
Biografía
Aunque estudió en la Universidad de Xavier y tocó en muchas bandas de Nueva Orleans, Aaron Bell no era tradicionalista. Fue uno de los mejores bajistas de la banda de Duke Ellington; sus líneas poderosas y su apoyo elegante y robusto proporcionaron una rica presencia en la sección rítmica junto con el baterista Sam Woodyard y el Duke al piano. Bell estuvo en la Marina de 1942 a 1946, luego trabajó con Andy Kirk en 1947. Regresó a su Oklahoma natal y enseñó música antes de reanudar su propia educación en la Universidad de Nueva York. Bell grabó y trabajó con Lucky Millinder, Teddy Wilson y Lester Young en los años 50, mientras dirigía su propio trío. Grabaron en 1955 y 1958. Bell apoyó a vocalistas, y tocó con combos y en el espectáculo de Broadway "Compulsion" antes de unirse a Ellington en 1960. Permaneció hasta 1962, luego hizo sesiones y trabajó en teatro. Se convirtió en compositor residente de La Mama, un teatro experimental de Nueva Jersey, en 1972. Bell también enseñó música en Newark y obtuvo su maestría en Columbia en 1975. Continuó enseñando hasta retirarse a principios de los 90; falleció en un hospital del Bronx, Nueva York, el 28 de julio de 2003, a la edad de 82 años. Aaron Bell puede ser escuchado en varias sesiones de, entre otros, Duke Ellington, Stan Kenton, Johnny Hodges y Billy Holiday.
Although he could always play bop, Ray Bryant's playing combined
together older elements (including blues, boogie-woogie, gospel, and
even stride) into a distinctive, soulful, and swinging style; no one
played "After Hours" quite like him.The younger brother of bassist
Tommy Bryant and the uncle of Kevin and Robin Eubanks (his sister is
their mother), Bryant started his career playing with Tiny Grimes in the
late '40s.He became the house pianist at The Blue Note in Philadelphia
in 1953, where he backed classic jazz greats (including Charlie Parker,
Miles Davis, and Lester Young) and made important contacts.He
accompanied Carmen McRae (1956-1957), recorded with Coleman Hawkins and
Roy Eldridge at the 1957 Newport Jazz Festival (taking a brilliant solo
on an exciting version of "I Can't Believe That You're in Love with
Me"), and played with Jo Jones' trio (1958).Bryant settled in New York
in 1959; played with Sonny Rollins, Charlie Shavers, and Curtis Fuller;
and soon had his own trio.He had a few funky commercial hits (including
"Little Susie" and "Cubano Chant") that kept him working for decades.Bryant recorded often throughout his career (most notably for Epic,
Prestige, Columbia, Sue, Cadet, Atlantic, Pablo, and Emarcy), and even
his dates on electric piano in the '70s are generally rewarding.However, Bryant was heard at his best when playing the blues on
unaccompanied acoustic piano.After a lengthy illness, Ray Bryant died
in Queens, New York on June 2, 2011; he was 79 years old.
///////
Biografía del artista por Scott Yanow
Aunque siempre pudo tocar bop, Ray Bryant combinó elementos antiguos
(incluyendo blues, boogie-woogie, gospel, e incluso stride) en un estilo
distintivo, conmovedor y de swing; nadie tocó "After Hours" como él.Hermano menor del bajista Tommy Bryant y tío de Kevin y Robin Eubanks
(su hermana es su madre), Bryant comenzó su carrera tocando con Tiny
Grimes a finales de los años 40.En 1953 se convirtió en el pianista de
casa de The Blue Note en Filadelfia, donde apoyó a los grandes del jazz
clásico (incluyendo a Charlie Parker, Miles Davis y Lester Young) e hizo
importantes contactos.Acompañó a Carmen McRae (1956-1957), grabó con
Coleman Hawkins y Roy Eldridge en el Festival de Jazz de Newport en 1957
(haciendo un brillante solo en una emocionante versión de "I Can't
Believe That You're in Love with Me"), y tocó con el trío de Jo Jones
(1958).Bryant se estableció en Nueva York en 1959; tocó con Sonny
Rollins, Charlie Shavers y Curtis Fuller; y pronto tuvo su propio trío.Tuvo algunos éxitos comerciales funky (incluyendo "Little Susie" y
"Cubano Chant") que lo mantuvieron trabajando por décadas.Bryant grabó a
menudo a lo largo de su carrera (sobre todo para Epic, Prestige,
Columbia, Sue, Cadet, Atlantic, Pablo, y Emarcy), e incluso suscitascon el piano eléctrico en los años 70 son generalmente gratificantes.Sin embargo, Bryant fue escuchado en su mejor momento cuando tocaba el
blues en un piano acústico sin acompañamiento.Después de una larga
enfermedad, Ray Bryant falleció en Queens, Nueva York, el 2 de junio de
2011; tenía 79 años.
Although he could always play bop, Ray Bryant's playing combined
together older elements (including blues, boogie-woogie, gospel, and
even stride) into a distinctive, soulful, and swinging style; no one
played "After Hours" quite like him. The younger brother of bassist
Tommy Bryant and the uncle of Kevin and Robin Eubanks (his sister is
their mother), Bryant started his career playing with Tiny Grimes in the
late '40s. He became the house pianist at The Blue Note in Philadelphia
in 1953, where he backed classic jazz greats (including Charlie Parker,
Miles Davis, and Lester Young) and made important contacts. He
accompanied Carmen McRae (1956-1957), recorded with Coleman Hawkins and
Roy Eldridge at the 1957 Newport Jazz Festival (taking a brilliant solo
on an exciting version of "I Can't Believe That You're in Love with
Me"), and played with Jo Jones' trio (1958). Bryant settled in New York
in 1959; played with Sonny Rollins, Charlie Shavers, and Curtis Fuller;
and soon had his own trio. He had a few funky commercial hits (including
"Little Susie" and "Cubano Chant") that kept him working for decades.
Bryant recorded often throughout his career (most notably for Epic,
Prestige, Columbia, Sue, Cadet, Atlantic, Pablo, and Emarcy), and even
his dates on electric piano in the '70s are generally rewarding.
However, Bryant was heard at his best when playing the blues on
unaccompanied acoustic piano. After a lengthy illness, Ray Bryant died
in Queens, New York on June 2, 2011; he was 79 years old.
///////
Biografía del artista por Scott Yanow
Aunque siempre pudo tocar bop, Ray Bryant combinó elementos antiguos
(incluyendo blues, boogie-woogie, gospel, e incluso stride) en un estilo
distintivo, conmovedor y de swing; nadie tocó "After Hours" como él.
Hermano menor del bajista Tommy Bryant y tío de Kevin y Robin Eubanks
(su hermana es su madre), Bryant comenzó su carrera tocando con Tiny
Grimes a finales de los años 40. En 1953 se convirtió en el pianista de
casa de The Blue Note en Filadelfia, donde apoyó a los grandes del jazz
clásico (incluyendo a Charlie Parker, Miles Davis y Lester Young) e hizo
importantes contactos. Acompañó a Carmen McRae (1956-1957), grabó con
Coleman Hawkins y Roy Eldridge en el Festival de Jazz de Newport en 1957
(haciendo un brillante solo en una emocionante versión de "I Can't
Believe That You're in Love with Me"), y tocó con el trío de Jo Jones
(1958). Bryant se estableció en Nueva York en 1959; tocó con Sonny
Rollins, Charlie Shavers y Curtis Fuller; y pronto tuvo su propio trío.
Tuvo algunos éxitos comerciales funky (incluyendo "Little Susie" y
"Cubano Chant") que lo mantuvieron trabajando por décadas. Bryant grabó a
menudo a lo largo de su carrera (sobre todo para Epic, Prestige,
Columbia, Sue, Cadet, Atlantic, Pablo, y Emarcy), e incluso sus citas
con el piano eléctrico en los años 70 son generalmente gratificantes.
Sin embargo, Bryant fue escuchado en su mejor momento cuando tocaba el
blues en un piano acústico sin acompañamiento. Después de una larga
enfermedad, Ray Bryant falleció en Queens, Nueva York, el 2 de junio de
2011; tenía 79 años.
Ray Bryant (Raphael Homer Bryant) (born December 24, 1931 in Philadelphia, Pennsylvania) is an American Jazz pianist and composer.
Ray Bryant began playing the piano at the age of six, also performing on bass in junior High School. Turning professional before his age of majority, Bryant has accompanied many other leading players such as Miles Davis, Sonny Rollins, Melba Liston, and Coleman Hawkins, as well as singers Carmen McRae and Aretha Franklin. From the late 1950s, he led a trio, performing throughout the world, and also worked solo. In addition, he is a noted Jazz composer, with well-known themes such as “Cubano Chant,” “The Madison Time,” “Monkey Business,” and “Little Susie” to his credit.
The musicians Kevin Eubanks, Duane Eubanks, and Robin Eubanks are his nephews. His brothers are the bass player Tommy Bryant (May 21, 1930 – March 1, 1982) and Len Bryant, who plays drums and is also a singer.
Both Tommy and Ray Bryant formed a trio with Oz Perkins as the back-up band for the off-Broadway run of the comedy show Cambridge Circus, at Square East in 1964. The show starred John Cleese, Bill Oddie, Tim Brooke-Taylor, David Hatch, Jo Kendall, Graham Chapman, Jonathan Lynn, and Jean Hart.
When Ray Bryant rose to national prominence in the 1950s, he was noted for his ability to meet the sophisticated harmonic demands of modern jazz while retaining the muscle and swing of old forms and the spirit of the gospel music that surrounded him when he was a child. Any performance by Bryant is steeped in the blues, even when he’s not playing a blues.
Born in Philadelphia, Bryant (whose older brother Tommy was a bassist) gained experience playing early rhythm ’n’ blues and swing with guitarist Tiny Grimes in the late 1940s. As the house pianist at Philadelphia’s Blue Note, he had opportunities to play with Charlie Parker, Lester Young, and Miles Davis.
Bryant began to gain attention during 1956-1957 when he worked with Carmen McRae and appeared at the 1957 Newport Jazz Festival with Coleman Hawkins and Roy Eldridge. After recording with the Jo Jones Trio, Bryant moved to New York, worked with Sonny Rollins, Charlie Shavers, and Curtis Fuller, and led his own series of trios. Of his early recordings, “Django,” (recorded for Prestige in 1957) features his trio work on a bop-oriented repertoire while “Alone with the Blues,” is a masterful set of unaccompanied solos.
Bryant, who wrote such catchy numbers as “Little Susie” and “Cubano Chant” and was never shy to show the influence of gospel music and soul in his playing, has worked and recorded steadily ever since. During 1976-1980 he was in peak form when he cut five albums for Pablo: the trio dates “Here’s Ray Bryant,” “All Blues,” and “Potpourri,” and a pair of solo gems in “Solo Flight,” and “Montreux ’77.”
Bryant continued his recording output in the ‘80’s with sessions for Emarcy, and the ‘90’s with “Tribute to his Jazz Piano Friends,” (1997 JVC) and “Ray Bryant meets Ray Brown.” (1999 IMS) He rolled into the new century with a couple of fine live sets for Label M, “North of the Border,” and “Somewhere in France.” These are reviewed here at ‘all about jazz.’
For many years, his trios have been extremely popular. But Bryant’s cult status, not only among jazz listeners but with classical musicians and fans around the world, has been achieved through his solo piano recordings. Standing apart from musical trends and always being his own man, Ray Bryant has long been a unique, distinctive, and very accessible pianist.
Ray’s choice of material again borrows from a wide musical palette and we are treated to fine performances of jazz originals, standard ballads, a folk tune and a recent Rock ‘n Roll hit. The title tune, Lonesome Traveler, is a fitting follow-up to Gotta Travel On of the previous Cadet album.
If someone can be lonesome and happy at the same time, then this condition must apply to Ray; because there’s nothing lonesome sounding about the joyful groove he and his companions achieve on this track. It’s a mover! By E. Herbert
///////
Traducción Automática
Ray Bryant (Raphael Homer Bryant) (nacido el 24 de diciembre de 1931 en Filadelfia, Pensilvania) es un pianista y compositor de jazz estadounidense.
Ray Bryant comenzó a tocar el piano a la edad de seis años, también tocando bajo en la escuela secundaria. Bryant se volvió profesional antes de su mayoría de edad, y ha acompañado a muchos otros jugadores importantes como Miles Davis, Sonny Rollins, Melba Liston y Coleman Hawkins, así como a las cantantes Carmen McRae y Aretha Franklin. Desde finales de la década de 1950, dirigió un trío, actuó en todo el mundo y también trabajó en solitario. Además, es un destacado compositor de jazz, con temas bien conocidos como "Cubano Chant", "The Madison Time", "Monkey Business" y "Little Susie" en su haber.
Los músicos Kevin Eubanks, Duane Eubanks y Robin Eubanks son sus sobrinos. Sus hermanos son el bajista Tommy Bryant (21 de mayo de 1930 - 1 de marzo de 1982) y Len Bryant, que toca la batería y también es cantante.
Tanto Tommy como Ray Bryant formaron un trío con Oz Perkins como banda de respaldo para la carrera off-Broadway del show de comedia Cambridge Circus, en Square East en 1964. El espectáculo fue protagonizado por John Cleese, Bill Oddie, Tim Brooke-Taylor, David Hatch, Jo Kendall, Graham Chapman, Jonathan Lynn y Jean Hart.
Cuando Ray Bryant alcanzó la prominencia nacional en la década de 1950, se destacó por su capacidad para satisfacer las sofisticadas demandas armónicas del jazz moderno, al tiempo que conservaba el músculo y el swing de las formas antiguas y el espíritu de la música gospel que lo rodeaba cuando era un niño. . Cualquier actuación de Bryant está impregnada de blues, incluso cuando no está tocando blues.
Nacido en Filadelfia, Bryant (cuyo hermano mayor Tommy era un bajista) adquirió experiencia tocando el rhythm n’ bl blues y el swing con el guitarrista Tiny Grimes a finales de los años cuarenta. Como pianista de la casa en Blue Note de Filadelfia, tuvo la oportunidad de tocar con Charlie Parker, Lester Young y Miles Davis.
Bryant comenzó a llamar la atención durante 1956-1957 cuando trabajó con Carmen McRae y participó en el Festival de Jazz de Newport en 1957 con Coleman Hawkins y Roy Eldridge. Después de grabar con Jo Jones Trio, Bryant se mudó a Nueva York, trabajó con Sonny Rollins, Charlie Shavers y Curtis Fuller, y dirigió su propia serie de tríos. De sus primeras grabaciones, "Django" (grabado para Prestige en 1957) presenta su trabajo de trío en un repertorio orientado a bop, mientras que "Alone with the Blues" es un conjunto magistral de solos no acompañados.
Bryant, quien escribió números tan llamativos como "Little Susie" y "Cubano Chant" y nunca fue tímido para mostrar la influencia de la música gospel y el soul en su forma de tocar, ha trabajado y grabado de manera constante desde entonces. Durante 1976-1980 estuvo en plena forma cuando cortó cinco álbumes para Pablo: el trío data "Here Ray Ray", "All Blues" y "Potpourri", y un par de gemas solistas en "Solo Flight" y " Montreux '77 ".
Bryant continuó su producción de grabación en los años 80 con sesiones para Emarcy, y los 90 con "Tribute to his Jazz Piano Friends" (1997 JVC) y "Ray Bryant conoce a Ray Brown". (1999 IMS). Siglo con un par de excelentes sets en vivo para Label M, "North of the Border" y "Somewhere in France". Estos son revisados aquí en "todo sobre el jazz".
Durante muchos años, sus tríos han sido extremadamente populares. Pero el estatus de culto de Bryant, no solo entre los oyentes de jazz sino también con músicos clásicos y fanáticos de todo el mundo, se ha logrado a través de sus grabaciones para piano solo. Aparte de las tendencias musicales y siendo siempre su propio hombre, Ray Bryant siempre ha sido un pianista único, distintivo y muy accesible.
La elección del material de Ray vuelve a tomarse de una amplia paleta musical y nos ofrecen excelentes interpretaciones de originales de jazz, baladas estándar, una melodía popular y un reciente éxito de Rock 'n Roll. La canción del título, Lonesome Traveler, es un seguimiento apropiado para Gotta Travel On del álbum anterior de Cadet.
Si alguien puede estar solo y feliz al mismo tiempo, entonces esta condición debe aplicarse a Ray; porque no hay nada solitario que suene en el ritmo alegre que él y sus compañeros logran en esta pista. ¡Es un motor! Por E. Herbert
Although he could always play bop, Ray Bryant's playing combined
together older elements (including blues, boogie-woogie, gospel, and
even stride) into a distinctive, soulful, and swinging style; no one
played "After Hours" quite like him.The younger brother of bassist
Tommy Bryant and the uncle of Kevin and Robin Eubanks (his sister is
their mother), Bryant started his career playing with Tiny Grimes in the
late '40s.He became the house pianist at The Blue Note in Philadelphia
in 1953, where he backed classic jazz greats (including Charlie Parker,
Miles Davis, and Lester Young) and made important contacts.He
accompanied Carmen McRae (1956-1957), recorded with Coleman Hawkins and
Roy Eldridge at the 1957 Newport Jazz Festival (taking a brilliant solo
on an exciting version of "I Can't Believe That You're in Love with
Me"), and played with Jo Jones' trio (1958).Bryant settled in New York
in 1959; played with Sonny Rollins, Charlie Shavers, and Curtis Fuller;
and soon had his own trio.He had a few funky commercial hits (including
"Little Susie" and "Cubano Chant") that kept him working for decades.Bryant recorded often throughout his career (most notably for Epic,
Prestige, Columbia, Sue, Cadet, Atlantic, Pablo, and Emarcy), and even
his dates on electric piano in the '70s are generally rewarding.However, Bryant was heard at his best when playing the blues on
unaccompanied acoustic piano.After a lengthy illness, Ray Bryant died
in Queens, New York on June 2, 2011; he was 79 years old.
///////////
Biografía del artista por Scott Yanow
Aunque siempre pudo tocar bop, Ray Bryant combinó elementos antiguos
(incluyendo blues, boogie-woogie, gospel, e incluso stride) en un estilo
distintivo, conmovedor y de swing; nadie tocó "After Hours" como él.Hermano menor del bajista Tommy Bryant y tío de Kevin y Robin Eubanks
(su hermana es su madre), Bryant comenzó su carrera tocando con Tiny
Grimes a finales de los años 40.En 1953 se convirtió en el pianista de
casa de The Blue Note en Filadelfia, donde apoyó a los grandes del jazz
clásico (incluyendo a Charlie Parker, Miles Davis y Lester Young) e hizo
importantes contactos.Acompañó a Carmen McRae (1956-1957), grabó con
Coleman Hawkins y Roy Eldridge en el Festival de Jazz de Newport en 1957
(haciendo un brillante solo en una emocionante versión de "I Can't
Believe That You're in Love with Me"), y tocó con el trío de Jo Jones
(1958).Bryant se estableció en Nueva York en 1959; tocó con Sonny
Rollins, Charlie Shavers y Curtis Fuller; y pronto tuvo su propio trío.Tuvo algunos éxitos comerciales funky (incluyendo "Little Susie" y
"Cubano Chant") que lo mantuvieron trabajando por décadas.Bryant grabó a
menudo a lo largo de su carrera (sobre todo para Epic, Prestige,
Columbia, Sue, Cadet, Atlantic, Pablo, y Emarcy), e incluso sus citas
con el piano eléctrico en los años 70 son generalmente gratificantes.Sin embargo, Bryant fue escuchado en su mejor momento cuando tocaba el
blues en un piano acústico sin acompañamiento.Después de una larga
enfermedad, Ray Bryant falleció en Queens, Nueva York, el 2 de junio de
2011; tenía 79 años.
Artist Biography by Scott Yanow
Although he could always play bop, Ray Bryant's playing combined
together older elements (including blues, boogie-woogie, gospel, and
even stride) into a distinctive, soulful, and swinging style; no one
played "After Hours" quite like him. The younger brother of bassist
Tommy Bryant and the uncle of Kevin and Robin Eubanks (his sister is
their mother), Bryant started his career playing with Tiny Grimes in the
late '40s. He became the house pianist at The Blue Note in Philadelphia
in 1953, where he backed classic jazz greats (including Charlie Parker,
Miles Davis, and Lester Young) and made important contacts. He
accompanied Carmen McRae (1956-1957), recorded with Coleman Hawkins and
Roy Eldridge at the 1957 Newport Jazz Festival (taking a brilliant solo
on an exciting version of "I Can't Believe That You're in Love with
Me"), and played with Jo Jones' trio (1958). Bryant settled in New York
in 1959; played with Sonny Rollins, Charlie Shavers, and Curtis Fuller;
and soon had his own trio. He had a few funky commercial hits (including
"Little Susie" and "Cubano Chant") that kept him working for decades.
Bryant recorded often throughout his career (most notably for Epic,
Prestige, Columbia, Sue, Cadet, Atlantic, Pablo, and Emarcy), and even
his dates on electric piano in the '70s are generally rewarding.
However, Bryant was heard at his best when playing the blues on
unaccompanied acoustic piano. After a lengthy illness, Ray Bryant died
in Queens, New York on June 2, 2011; he was 79 years old.
///////
Biografía del artista por Scott Yanow
Aunque siempre pudo tocar bop, Ray Bryant combinó elementos antiguos
(incluyendo blues, boogie-woogie, gospel, e incluso stride) en un estilo
distintivo, conmovedor y de swing; nadie tocó "After Hours" como él.
Hermano menor del bajista Tommy Bryant y tío de Kevin y Robin Eubanks
(su hermana es su madre), Bryant comenzó su carrera tocando con Tiny
Grimes a finales de los años 40. En 1953 se convirtió en el pianista de
casa de The Blue Note en Filadelfia, donde apoyó a los grandes del jazz
clásico (incluyendo a Charlie Parker, Miles Davis y Lester Young) e hizo
importantes contactos. Acompañó a Carmen McRae (1956-1957), grabó con
Coleman Hawkins y Roy Eldridge en el Festival de Jazz de Newport en 1957
(haciendo un brillante solo en una emocionante versión de "I Can't
Believe That You're in Love with Me"), y tocó con el trío de Jo Jones
(1958). Bryant se estableció en Nueva York en 1959; tocó con Sonny
Rollins, Charlie Shavers y Curtis Fuller; y pronto tuvo su propio trío.
Tuvo algunos éxitos comerciales funky (incluyendo "Little Susie" y
"Cubano Chant") que lo mantuvieron trabajando por décadas. Bryant grabó a
menudo a lo largo de su carrera (sobre todo para Epic, Prestige,
Columbia, Sue, Cadet, Atlantic, Pablo, y Emarcy), e incluso sus citas
con el piano eléctrico en los años 70 son generalmente gratificantes.
Sin embargo, Bryant fue escuchado en su mejor momento cuando tocaba el
blues en un piano acústico sin acompañamiento. Después de una larga
enfermedad, Ray Bryant falleció en Queens, Nueva York, el 2 de junio de
2011; tenía 79 años.
Legendary bebop singer Joe Carroll had not recorded for most of the late Fifties, but when he finally returned in the early Sixties he did so with a solid pulse and a happy feeling on these two sessions for the Charlie Parker label, recently launched by Doris Parker, Bird’s widow and owner of his estate. On the resulting album, “Man with a Happy Sound” (1962), he was backed by an exuberant trio led by organist Specs Williams, with Connie Lester, tenor sax, Lee Ainsley, drums, and featuring the young guitarist Grant Green on five of the tracks. The album includes some of the tunes that the singer made famous while he was with Dizzy Gillespie during the late Forties and early Fifties, as well as some fine new material.
A year before this album was released though, Joe Carroll had recorded two sides for the same label—Anthropology and Hi-Fly—backed by such notables as Duke Jordan, Clark Terry and Cecil Payne, and featuring some duets with Payne. For Joe, the release of this single was his chance to “do a thing with some good cats and let everybody stretch out a little”—and this single eventually led him to put together the selections and musicians that make up “Man with a Happy Sound.” https://www.freshsoundrecords.com/joe-carroll-albums/6590-man-with-a-happy-sound-feat-grant-green-bonus-tracks.html
///////
El legendario cantante de bebop Joe Carroll no había grabado durante la mayor parte de los últimos años cincuenta, pero cuando finalmente regresó a principios de los sesenta lo hizo con un sólido pulso y un sentimiento de felicidad en estas dos sesiones para el sello Charlie Parker, recientemente lanzado por Doris Parker, viuda de Bird y propietaria de su patrimonio. En el álbum resultante, "Man with a Happy Sound" (1962), estaba respaldado por un exuberante trío dirigido por el organista Specs Williams, con Connie Lester, saxo tenor, Lee Ainsley, batería, y con la participación del joven guitarrista Grant Green en cinco de los temas. El álbum incluye algunos de los temas que el cantante hizo famosos mientras estaba con Dizzy Gillespie a finales de los años cuarenta y principios de los cincuenta, así como algún buen material nuevo.
Sin embargo, un año antes de que se publicara este álbum, Joe Carroll había grabado dos caras para el mismo sello -Anthropology y Hi-Fly- respaldado por notables como Duke Jordan, Clark Terry y Cecil Payne, y con algunos duetos con Payne. Para Joe, el lanzamiento de este sencillo fue su oportunidad de "hacer algo con algunos buenos gatos y dejar que todo el mundo se estire un poco", y este sencillo le llevó finalmente a reunir las selecciones y los músicos que componen "Man with a Happy Sound". https://www.freshsoundrecords.com/joe-carroll-albums/6590-man-with-a-happy-sound-feat-grant-green-bonus-tracks.html
This 1988 reissue brought back one of pianist Ray Bryant's favorite trio
records. Supported by either Bill Lee or Arthur Harper on bass and
drummer Mickey Roker, Bryant is typically soulful, swinging and
reasonably explorative on nine songs (including a previously unreleased
version of "Django") that are highlighted by "Con Alma," "Milestones,"
his popular "Cubano Chant" and "Autumn Leaves."
///////
Review by Scott Yanow
This 1988 reissue brought back one of pianist Ray Bryant's favorite trio
records. Supported by either Bill Lee or Arthur Harper on bass and
drummer Mickey Roker, Bryant is typically soulful, swinging and
reasonably explorative on nine songs (including a previously unreleased
version of "Django") that are highlighted by "Con Alma," "Milestones,"
his popular "Cubano Chant" and "Autumn Leaves."
Artist Biography by Scott Yanow Although he could always play bop, Ray Bryant's playing combined together older elements (including blues, boogie-woogie, gospel, and even stride) into a distinctive, soulful, and swinging style; no one
played "After Hours" quite like him. The younger brother of bassist
Tommy Bryant and the uncle of Kevin and Robin Eubanks (his sister is
their mother), Bryant started his career playing with Tiny Grimes in the
late '40s. He became the house pianist at The Blue Note in Philadelphia
in 1953, where he backed classic jazz greats (including Charlie Parker,
Miles Davis, and Lester Young) and made important contacts. He
accompanied Carmen McRae (1956-1957), recorded with Coleman Hawkins and
Roy Eldridge at the 1957 Newport Jazz Festival (taking a brilliant solo
on an exciting version of "I Can't Believe That You're in Love with
Me"), and played with Jo Jones' trio (1958). Bryant settled in New York
in 1959; played with Sonny Rollins, Charlie Shavers, and Curtis Fuller;
and soon had his own trio. He had a few funky commercial hits (including
"Little Susie" and "Cubano Chant") that kept him working for decades.
Bryant recorded often throughout his career (most notably for Epic,
Prestige, Columbia, Sue, Cadet, Atlantic, Pablo, and Emarcy), and even
his dates on electric piano in the '70s are generally rewarding.
However, Bryant was heard at his best when playing the blues on
unaccompanied acoustic piano. After a lengthy illness, Ray Bryant died
in Queens, New York on June 2, 2011; he was 79 years old.
///////
Biografía del artista por Scott Yanow
Aunque siempre pudo tocar bop, Ray Bryant combinó elementos antiguos
(incluyendo blues, boogie-woogie, gospel, e incluso stride) en un estilo
distintivo, conmovedor y de swing; nadie tocó "After Hours" como él.
Hermano menor del bajista Tommy Bryant y tío de Kevin y Robin Eubanks
(su hermana es su madre), Bryant comenzó su carrera tocando con Tiny
Grimes a finales de los años 40. En 1953 se convirtió en el pianista de
casa de The Blue Note en Filadelfia, donde apoyó a los grandes del jazz
clásico (incluyendo a Charlie Parker, Miles Davis y Lester Young) e hizo
importantes contactos. Acompañó a Carmen McRae (1956-1957), grabó con
Coleman Hawkins y Roy Eldridge en el Festival de Jazz de Newport en 1957
(haciendo un brillante solo en una emocionante versión de "I Can't
Believe That You're in Love with Me"), y tocó con el trío de Jo Jones
(1958). Bryant se estableció en Nueva York en 1959; tocó con Sonny
Rollins, Charlie Shavers y Curtis Fuller; y pronto tuvo su propio trío.
Tuvo algunos éxitos comerciales funky (incluyendo "Little Susie" y
"Cubano Chant") que lo mantuvieron trabajando por décadas. Bryant grabó a
menudo a lo largo de su carrera (sobre todo para Epic, Prestige,
Columbia, Sue, Cadet, Atlantic, Pablo, y Emarcy), e incluso sus citas
con el piano eléctrico en los años 70 son generalmente gratificantes.
Sin embargo, Bryant fue escuchado en su mejor momento cuando tocaba el
blues en un piano acústico sin acompañamiento. Después de una larga
enfermedad, Ray Bryant falleció en Queens, Nueva York, el 2 de junio de
2011; tenía 79 años.
Biography by Scott Yanow Clifford
Jordan was a fine inside/outside player who somehow held his own with
Eric Dolphy in the 1964 Charles Mingus Sextet. Jordan had his own sound
on tenor almost from the start. He gigged around Chicago with Max Roach,
Sonny Stitt, and some R&B groups before moving to New York in 1957.
Jordan immediately made a strong impression, leading three albums for
Blue Note (including a meeting with fellow tenor John Gilmore) and
touring with Horace Silver (1957-1958), J.J. Johnson (1959-1960), Kenny
Dorham (1961-1962), and Max Roach (1962-1964). After performing in
Europe with Mingus and Dolphy, Jordan worked mostly as a leader but
tended to be overlooked since he was not overly influential or a
pacesetter in the avant-garde. A reliable player, Clifford Jordan toured
Europe several times, was in a quartet headed by Cedar Walton in
1974-1975, and during his last years, led a big band. He recorded as a
leader for Blue Note, Riverside, Jazzland, Atlantic (a little-known
album of Leadbelly tunes), Vortex, Strata-East, Muse, SteepleChase,
Criss Cross, Bee Hive, DIW, Milestone, and Mapleshade. https://www.allmusic.com/artist/clifford-jordan-mn0000157487/biography
///////
Biografía por Scott Yanow Clifford
Jordan fue un excelente intérprete interior/exterior que, de alguna
manera, se mantuvo junto a Eric Dolphy en el Sexteto de Charles Mingus
de 1964. Jordan tenía su propio sonido de tenor casi desde el principio.
Actuó en Chicago con Max Roach, Sonny Stitt y algunos grupos de R&B
antes de trasladarse a Nueva York en 1957. Jordan causó una gran
impresión de inmediato, dirigiendo tres álbumes para Blue Note (incluida
una reunión con el también tenor John Gilmore) y realizando giras con
Horace Silver (1957-1958), J.J. Johnson (1959-1960), Kenny Dorham
(1961-1962) y Max Roach (1962-1964). Después de actuar en Europa con
Mingus y Dolphy, Jordan trabajó sobre todo como líder, pero tendió a
pasar desapercibido, ya que no fue demasiado influyente ni marcó la
pauta en la vanguardia. Clifford Jordan, un músico fiable, realizó
varias giras por Europa, formó parte de un cuarteto dirigido por Cedar
Walton en 1974-1975 y, durante sus últimos años, dirigió una big band.
Grabó como líder para Blue Note, Riverside, Jazzland, Atlantic (un álbum
poco conocido de temas de Leadbelly), Vortex, Strata-East, Muse,
SteepleChase, Criss Cross, Bee Hive, DIW, Milestone y Mapleshade. https://www.allmusic.com/artist/clifford-jordan-mn0000157487/biography
Review by Ronnie D. Lankford, Jr. If a listener picks up a 50-minute jazz album that only contains four songs, he or she will rest assured that the musicians really get a chance to stretch things out. In the case of Decidedly, featuring tested players like trumpeter Roy Eldridge, guitarist Joe Pass, tenor Johnny Griffin, and pianist Ray Bryant, this is a good thing. Recorded live in 1975 in Antibes, France, before an appreciative audience, the material is being issued for the first time in 2002. The group kicks off with an Eldridge original, "Bee's Bloos," and settles into a relaxed groove for the rest of the show. A 16-minute take of "Lover Man (Oh, Where Can You Be?)" follows, with lengthy, soulful solos handed in by everyone. Bassist Niels-Henning Orsted Pedersen and drummer Louis Bellson offer tasteful underpinning along with a little muscle on "Undecided." The disc closes out with an appearance by Milt Jackson on piano for Thelonious Monk's "Hackensack." It will perhaps seem odd that this swinging set, performed in France while the fusion movement was sweeping the states, will probably have a more receptive audience today than it would have had over 25 years ago. But history, and good taste, are never predictable. Decidedly is a lovely live disc, and will be appreciated by fans of any of the participants.
Biography by Scott Yanow One of the most exciting trumpeters to emerge during the swing era, Roy Eldridge's combative approach, chance-taking style and strong musicianship were an inspiration (and an influence) to the next musical generation, most notably Dizzy Gillespie. Although he sometimes pushed himself farther than he could go, Eldridge never played a dull solo.
Roy Eldridge started out playing trumpet and drums in carnival and circus bands. With the Nighthawk Syncopators he received a bit of attention by playing a note-for-note re-creation of Coleman Hawkins' tenor solo on "The Stampede." Inspired by the dynamic playing of Jabbo Smith (Eldridge would not discover Louis Armstrong for a few years), Eldridge played with some territory bands including Zack Whyte and Speed Webb and in New York (where he arrive in 1931) he worked with Elmer Snowden (who nicknamed him "Little Jazz"), McKinney's Cotton Pickers, and most importantly Teddy Hill (1935). Eldridge's recorded solos with Hill, backing Billie Holiday and with Fletcher Henderson (including his 1936 hit "Christopher Columbus") gained a great deal of attention. In 1937 he appeared with his octet (which included brother Joe on alto) at the Three Deuces Club in Chicago and recorded some outstanding selections as a leader including "Heckler's Hop" and "Wabash Stomp." By 1939 Eldridge had a larger group playing at the Arcadia Ballroom in New York. With the decline of Bunny Berigan and the increasing predictability of Louis Armstrong, Eldridge was arguably the top trumpeter in jazz during this era.
During 1941-1942 Eldridge sparked Gene Krupa's Orchestra, recording classic versions of "Rockin' Chair" and "After You've Gone" and interacting with Anita O'Day on "Let Me Off Uptown." The difficulties of traveling with a White band during a racist period hurt him, as did some of the incidents that occurred during his stay with Artie Shaw (1944-1945) but the music during both stints was quite memorable. Eldridge can be seen in several "soundies" (short promotional film devoted to single songs) of this era by the Krupa band, often in association with O'Day, including "Let Me Off Uptown" and "Thanks for the Boogie Ride." He is also very prominent in the band's appearance in Howard Hawks' Ball of Fire, in an extended performance of "Drum Boogie" mimed by Barbara Stanwyck, taking a long trumpet solo -- the clip was filmed soon after Eldridge joined the band in late April of 1941, and "Drum Boogie" was a song that Eldridge co-wrote with Krupa.
Eldridge had a short-lived big band of his own, toured with Jazz at the Philharmonic, and then had a bit of an identity crisis when he realized that his playing was not as modern as the beboppers. A successful stay in France during 1950-1951 restored his confidence when he realized that being original was more important than being up-to-date. Eldridge recorded steadily for Norman Granz in the '50s, was one of the stars of JATP (where he battled Charlie Shavers and Dizzy Gillespie), and by 1956, was often teamed with Coleman Hawkins in a quintet; their 1957 appearance at Newport was quite memorable. The '60s were tougher as recording opportunities and work became rarer. Eldridge had brief and unhappy stints with Count Basie's Orchestra and Ella Fitzgerald (feeling unnecessary in both contexts) but was leading his own group by the end of the decade. He spent much of the '70s playing regularly at Ryan's and recording for Pablo and, although his range had shrunk a bit, Eldridge's competitive spirit was still very much intact. Only a serious stroke in 1980 was able to halt his horn. Roy Eldridge recorded throughout his career for virtually every label. https://www.allmusic.com/artist/roy-eldridge-mn0000346637/biography
///////
Reseña por Ronnie D. Lankford, Jr. Si un oyente elige un álbum de jazz de 50 minutos que sólo contiene cuatro canciones, tendrá la seguridad de que los músicos realmente tienen la oportunidad de estirar las cosas. En el caso de Decidedly, en el que participan músicos tan experimentados como el trompetista Roy Eldridge, el guitarrista Joe Pass, el tenor Johnny Griffin y el pianista Ray Bryant, esto es algo positivo. Grabado en directo en 1975 en Antibes (Francia) ante un público entregado, el material se publica por primera vez en 2002. El grupo comienza con un tema original de Eldridge, "Bee's Bloos", y se instala en un ritmo relajado durante el resto del concierto. Le sigue una versión de 16 minutos de "Lover Man (Oh, Where Can You Be?)", con largos y conmovedores solos a cargo de todos. El bajista Niels-Henning Orsted Pedersen y el batería Louis Bellson ofrecen un buen apoyo junto con un poco de músculo en "Undecided". El disco se cierra con una aparición de Milt Jackson al piano para "Hackensack" de Thelonious Monk. Quizás resulte extraño que este conjunto de swing, interpretado en Francia mientras el movimiento de fusión arrasaba en los Estados Unidos, tenga probablemente un público más receptivo hoy que hace más de 25 años. Pero la historia, y el buen gusto, nunca son predecibles. Decididamente es un precioso disco en directo, y será apreciado por los fans de cualquiera de los participantes.
Biografía por Scott Yanow Roy Eldridge, uno de los trompetistas más excitantes que surgieron en la era del swing, su enfoque combativo, su estilo arriesgado y su sólida musicalidad fueron una inspiración (y una influencia) para la siguiente generación musical, sobre todo para Dizzy Gillespie. Aunque a veces se esforzaba más de la cuenta, Eldridge nunca tocaba un solo aburrido.
Roy Eldridge empezó tocando la trompeta y la batería en bandas de carnaval y circo. Con los Nighthawk Syncopators llamó un poco la atención al tocar una recreación nota por nota del solo de tenor de Coleman Hawkins en "The Stampede". Inspirado por la dinámica forma de tocar de Jabbo Smith (Eldridge no descubriría a Louis Armstrong hasta pasados unos años), Eldridge tocó con algunas bandas territoriales como Zack Whyte y Speed Webb y en Nueva York (donde llegó en 1931) trabajó con Elmer Snowden (que le apodó "Little Jazz"), McKinney's Cotton Pickers y, sobre todo, con Teddy Hill (1935). Los solos grabados de Eldridge con Hill, acompañando a Billie Holiday y con Fletcher Henderson (incluyendo su éxito de 1936 "Christopher Columbus") ganaron mucha atención. En 1937 apareció con su octeto (que incluía a su hermano Joe como contralto) en el Three Deuces Club de Chicago y grabó algunas selecciones destacadas como líder, incluyendo "Heckler's Hop" y "Wabash Stomp". En 1939 Eldridge tenía un grupo más grande que tocaba en el Arcadia Ballroom de Nueva York. Con el declive de Bunny Berigan y la creciente previsibilidad de Louis Armstrong, Eldridge era posiblemente el mejor trompetista de jazz durante esta época.
Durante 1941-1942 Eldridge fue el chispazo de la Orquesta de Gene Krupa, grabando versiones clásicas de "Rockin' Chair" y "After You've Gone" e interactuando con Anita O'Day en "Let Me Off Uptown". Las dificultades de viajar con una banda de blancos durante una época racista le perjudicaron, al igual que algunos de los incidentes ocurridos durante su estancia con Artie Shaw (1944-1945), pero la música durante ambas etapas fue bastante memorable. Se puede ver a Eldridge en varios "soundies" (cortos promocionales dedicados a canciones sueltas) de esta época de la banda de Krupa, a menudo en asociación con O'Day, incluyendo "Let Me Off Uptown" y "Thanks for the Boogie Ride". También es muy prominente en la aparición de la banda en Ball of Fire de Howard Hawks, en una actuación extendida de "Drum Boogie" imitada por Barbara Stanwyck, tomando un largo solo de trompeta -- el clip fue filmado poco después de que Eldridge se uniera a la banda a finales de abril de 1941, y "Drum Boogie" era una canción que Eldridge co-escribió con Krupa.
Eldridge tuvo su propia big band de corta duración, salió de gira con Jazz at the Philharmonic y luego tuvo una pequeña crisis de identidad cuando se dio cuenta de que su forma de tocar no era tan moderna como la de los beboppers. Una exitosa estancia en Francia durante 1950-1951 le devolvió la confianza al darse cuenta de que ser original era más importante que estar a la última. Eldridge grabó con regularidad para Norman Granz en los años 50, fue una de las estrellas de JATP (donde se enfrentó a Charlie Shavers y Dizzy Gillespie) y, en 1956, a menudo formaba equipo con Coleman Hawkins en un quinteto; su aparición en Newport en 1957 fue bastante memorable. Los años 60 fueron más duros, ya que las oportunidades de grabación y el trabajo eran cada vez más escasos. Eldridge tuvo breves e infelices temporadas con la orquesta de Count Basie y Ella Fitzgerald (sintiéndose innecesario en ambos contextos), pero a finales de la década ya dirigía su propio grupo. Pasó gran parte de los años 70 tocando regularmente en Ryan's y grabando para Pablo y, aunque su rango se había reducido un poco, el espíritu competitivo de Eldridge seguía intacto. Sólo un grave derrame cerebral en 1980 pudo detener su trompa. Roy Eldridge grabó a lo largo de su carrera para prácticamente todos los sellos. https://www.allmusic.com/artist/roy-eldridge-mn0000346637/biography
Review by Scott Yanow Jimmy Rushing recorded several albums for Columbia during 1959-60; although in his mid-50s, he was still in peak form. This CD reissue (which has a previously unissued "The Road of Love") finds Rushing joined by both pianist Ray Bryant and organist Sir Charles Thompson, Buddy Tate on tenor, guitarist Skeeter Best, bassist Gene Ramey and drummer Jo Jones. The combination works quite well, and Rushing, in addition to a few blues, puts his own stamp on such numbers as "'Deed I Do," "Pink Champagne," "I Cried For You" and even "Good Rockin' Tonight." Bryant and Tate in particular have strong solos (both are excellent on "I Can't Believe That You're In Love With Me"), and with Rushing in such good shape, this is an easily enjoyable mainstream swing session. https://www.allmusic.com/album/rushing-lullabies-mw0000891482
///////
Reseña de Scott Yanow Jimmy Rushing grabó varios álbumes para Columbia durante 1959-60; aunque rondaba los 50 años, seguía en plena forma. En esta reedición en CD (que incluye un tema inédito, «The Road of Love»), Rushing está acompañado por el pianista Ray Bryant y el organista Sir Charles Thompson, Buddy Tate al tenor, el guitarrista Skeeter Best, el bajista Gene Ramey y el batería Jo Jones. La combinación funciona bastante bien, y Rushing, además de algunos blues, pone su propio sello en números como «“Deed I Do», «Pink Champagne», «I Cried For You» e incluso «Good Rockin” Tonight». Bryant y Tate en particular tienen fuertes solos (ambos son excelentes en «I Can't Believe That You're In Love With Me»), y con Rushing en tan buena forma, esta es una sesión de swing mainstream fácilmente disfrutable. https://www.allmusic.com/album/rushing-lullabies-mw0000891482
